MÚSICA SIGLO XX

Trabajo realizado por Estanislao Pedraza, Federico Finochiaro y Joaquín Llorens

El Impresionismo

En la pintura sus primeras manifestaciones aparecen en Francia a fines del siglo XIX en contraposición con la tradición romántica. El nombre de impresionismo proviene de una obra de Claude Monet llamada “Impresión: Sol naciente” que fue rechazada en los salones académicos y el termino impresionismo fue usada en tono de burla para este tipo de obras .

            Estos pintores intentaron captar en el lienzo no la representación exacta de las cosas sino la impresión momentánea que el artista tenia de ellas y trasmitirlas con espontaneidad y frescura. Miraban la naturaleza con ojos inocentes.

            No mezclaban los colores en la paleta sino que los yustaponian en el lienzo. El heroe de la pintura no era el hombre sino la luz.

            Los temas utilizados eran diferentes a los de los romantico: bailarinas, escenas de botes, meriendas y la naturaleza seductora y misteriosa

            En la poesia surge el “Simbolismo”. Los simbolistas aspiraban a la comunicación directa de la emoción poética, sin intervención de los elementos intelectuales. Utilizaban las palabras en función de la música que hay en ellas antes de su significado.

            Se querían comunicar mediante la presentación del símbolo antes de enunciar un hecho.

            Los tres más importantes poetas simbolistas fueron: Stéphane Mallarmé (1842-1898) y Arthur Rumbaud (1856 –1891).

            Rechazaron lo anecdótico y la moraleja del romanticismo por una evocación anímica ensoñadora sustituyendo la realidad objetiva por el mundo privado del poeta.

            En la música el impresionismo francés fue una revelación contra la dominación del romanticismo alemán. Su compositor más destacado fue Debussy quien susituyó la exuberancia emocional de Wagner por algo más discreto y delicado. Conjuraban la belleza del mundo exterior antes que los conflictos del mundo interior.

             Lo que la pintura trataba de manifertar que era el movimiento de las luces, en la música, que es el movimiento , fácilmente se tradujo tomando de las imágenes predilectas , como juego de luces en el agua, jardines bajo la lluvia , la luz a través de las hojas ,etc.

            Para estas tres artes que hemos descripto el impresionismo se contrapuso al romanticismo. El arte fue una experiencia sensual, andes que ética o intelectual, dejo de ser el hombre el centro de inspiración y paso a se la naturaleza y la magia de lo cotidiano.

            La postura de los artistas quedo más librada a la intuición y a la ingenuidad, casi de niño, a a la hora de manifestarse .

            Lo hechs no se presientaban tal cual son sino que era una representación de ellos. Esto los llevaba a crear una realidad y poco fantástica mágica y misteriosa

Impresionismo Musical

Se sentía que se habían agotado las posibilidades de las escalas mayor y menor. Debussy sale de la órbita alemana y explora relaciones armónicas y más sutiles. Ello lo llevó a desarrollar su natural afinidad con lo exótico y lo antiguo

-Influencias Modales:

Empezó a cobrar un papel muy importante la armonía tonal y Debussy uso los intervalos primarios (octava, cuarta y quinta) en forma paralela, lo cual le da a las obras cierta semejanza con el organum medieval. Este efecto punto de pedal o punto de órgano, el cual fue usado por los impresionistas con gran imaginación logrando efectos sorprendentes del choque entre la armonía transitoria y la sostenida.

-Escala de tonos enteros:

Debussy quedó fascinado al escuchar a músicos del lejano oriente y tomó allí una escala ya usada anteriormente en occidente, que es la escala por tonos, la cual divide a la octava en seis partes iguales, Ej. Do, Re, Mi, Fa#, Sol#, La#, Do.

Al no tener semitonos carece de dirección por lo cual su ámbito expresivo es limitado pero tenía fluidez con respecto a la armonía y sonoridad impresionista.

-Escala Pentatónica:

Esta escala está formada por cinco notas, y también omite los semitonos. Ej. Do, Re, Mi, Sol, La, Do. Es muy antigua y se la encuentra en el lejano oriente. Se la relaciona con china pero se encuentra en muchas otras culturas. Fue muy usada por los impresionistas.

La Armonía Impresionista

El acorde dejó de ser funcional y adquirió identidad propia. Podía estar separado del contexto y desplegarse tal cual por los distintos grados de la escala. En algunos casos la armonía puede pasar a ser un engrosamiento de la melodía.

-El movimiento paralelo:

Para el concepto clásico, el entrecruzamiento de voces debe ir avanzando en lo posible en movimientos contrarios para generar mayor tensión. El impresionismo, de lo contrario, al considerar al acorde como un ente sonoro, desplazándolo hacia arriba y hacia abajo crea un campo sonoro paralelo de las voces. Además utilizó intervalos paralelos de quintas y octavas prohibidas hasta entonces en lo clásico-romantico.

-Influencias Modales:

Empezó a cobrar un papel muy importante la armonía tonal y Debussy uso los intervalos primarios (octava, cuarta y quinta) en forma paralela, lo cual le da a las obras cierta semejanza con el organum medieval. Este efecto punto de pedal o punto de órgano, el cual fue usado por los impresionistas con gran imaginación logrando efectos sorprendentes del choque entre la armonía transitoria y la sostenida.

-Escala de tonos enteros:

Debussy quedó fascinado al escuchar a músicos del lejano oriente y tomó allí una escala ya usada anteriormente en occidente, que es la escala por tonos, la cual divide a la octava en seis partes iguales, Ej. Do, Re, Mi, Fa#, Sol#, La#, Do.

Al no tener semitonos carece de dirección por lo cual su ámbito expresivo es limitado pero tenía fluidez con respecto a la armonía y sonoridad impresionista.

-Escala Pentatónica:

Esta escala está formada por cinco notas, y también omite los semitonos. Ej. Do, Re, Mi, Sol, La, Do. Es muy antigua y se la encuentra en el lejano oriente. Se la relacióna con china pero se encuentra en muchas otras culturas. Fue muy usada por los impresionistas.

-Ampliación del concepto de Tonalidad:

Al haberse convertido el acorde en una entidad sonora independiente, no tuvo la necesidad de resolver en una tónica, por lo cual se produce una desintegración del sistema tonal, Mayor y menor.

-Uso de acordes disonantes:

Según las normas clásicas el acorde disonante debía resolver en una consonancia, en cambio Debussy ha usado sucesiones de disonancias sin que tengan la necesidad de resolver. Esto es la emancipación de la disonancia.

-Acordes de novena:

Muy usados por Debussy, los acordes de novena son los formados por combinaciones de cinco notas.

-Acordes “Escapados”:

Acordes que ni se anuncian ni resuelven, son acordes que parecen haberse escapado hacia otra tonalidad mientras la armonía original se mantiene en las voces inferiores.

Orquestación Impresionista

Los timbres individuales se destacan con delicada claridad. Las flautas y clarinetes se emplean en su oscuro registro inferior y los violines en su luminosa región superior. Las trompetas y cornos estás discretamente asordinados. Y todo esto está envuelto por arpas, celesta y triángulo, gluckenspiel, tambor apagado y platillos frotados.

Melodía Impresionista

Las melodías impresionistas estaban compuestas de frases fragmentarias, cada una de las escalas se repetía frecuentemente. Se evitaban las cadencias delineadas, y se favorecía la superposición de frases, períodos y secciones.

Buscó velar la métrica, y que la música se liberase de la barra de compás, pero en realidad lo que se logra es un fluir de un compás al otro.

Se alejó de a arquitectura clásica buscando formas plásticas y la fluidez y encanto de la improvisación.

Los hitos estructurales al igual que el esquema de tensión y distensión fue desplazado por un flujo interrumpido de sico-romántico.

Claude Debussy

Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se formó en el Conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, padrino del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la villa Medici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema 'La doncella bienaventurada' del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.
Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces naturaleza controvertida se le empezó a valorar como compositor. El músico fue un lector de Charles Baudelaire, Paul Verlaine y otros; así, la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial con la obra de estos maestros de la literatura, así como con la de los pintores impresionistas.

Su ópera Peleas y Melisanda, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio.

Entre 1902 y 1920 Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L'île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas.

En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918 durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.

Maurice Ravel

Por sus características de timbre, armonías y asociaciones extramusicales la música de Ravel se asocia a menudo a la de Debussy. Sin embargo, Ravel sentía una mayor atracción por las estructuras musicales abstractas. Su color orquestal vívido y transparente le convierte en uno de los maestros modernos de la orquestación.

Nació el 7 de marzo de 1875 en Ciboure, cerca de San Juan de Luz. Estudió entre 1889 y 1905 en el Conservatorio de París. Durante esa época ya comenzó a demostrar un estilo personal y una maestría compositiva que le llevó a enfrentarse con las autoridades del conservatorio y con el jurado del Prix de Rome, que rehusó trabajos que transgredían todas las normas académicas. A finales de la primera década del siglo XX, época en la que compuso la partitura de ballet más ambiciosa de su carrera, Dafnis y Cloe, conoció al joven Ígor Stravinski, cuyo encuentro tuvo gran trascendencia en la carrera de ambos. Tras la muerte de Debussy, se convirtió en la figura clave de la música francesa. Llevó una vida entregada a la música y fue miembro cofundador de la Société Musicale Indépendante. En 1932 se vio afectado por una enfermedad neurológica y el 28 de diciembre de 1937 falleció en París.

El impresionismo de Ravel se aprecia especialmente en la suite para piano Miroirs, en la Rapsodia española para orquesta y en Gaspard de la nuit, considerada como una de las obras pianísticas más complejas y técnicamente difíciles del repertorio. Su gran talento para evocar épocas pasadas se pone de manifiesto en obras como la Pavana para una infanta difunta, Valses nobles y sentimentales y Le tombeau de Couperin, composiciones todas ellas para piano que posteriormente fueron orquestadas. Su clasicismo se aprecia en la obra para piano Juegos de agua, con una estructura de sonata clásica y una textura brillante y virtuosística, así como en el Cuarteto para cuerda en fa, la Sonatina para piano y obras de cámara posteriores, como la Sonata para violín y violonchelo, que supuso un giro en su carrera por su desnudez ornamental.

En la década de 1920, la colaboración de Ravel con George Gershwin ejerció una fuerte influencia en ambos compositores. La orquestación de las últimas obras del músico estadounidense es más pulida y en las dos últimas obras de Ravel se observa una sutil influencia jazzística: el Concierto para piano y orquesta y el Concierto para la mano izquierda, para piano y orquesta, mucho mas sombrío y que fue escrito para el pianista vienés Paul Wittgenstein, que había perdido el brazo derecho en la I Guerra Mundial.

El Primitivismo

Se encuentra dentro de la tendencia general del siglo XX, que en oposición al ideal romántico, se trataba de ver al mundo no a través de la propias ilusiones sino como realmente es. La nueva música aspiraba a ser objetiva y directa sin tener en cuenta la expresión y volviéndose hacia el problema de la organización formal. La nueva concepción del arte no deriva del amor o la filosofía sino de la naturaleza de la materia prima del artista.

Ígor Stravinski

Nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum hijo de un bajo de la Ópera Imperial de San Petersburgo, y estudió derecho en la universidad de esta ciudad. Allí conoció al hijo del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov; fue este último quien orientó sus primeras composiciones musicales.
                   Sus primeros ballets para Diáguilev, El pájaro de fuego y Petrushka, tuvieron un éxito rotundo y fueron muy admirados por su fuerza dramática, su rica orquestación y sus melodías que evocaban la música tradicional rusa. Sin embargo, en el estreno de La consagración de la primavera, una serie de escenas de la Rusia pagana, la coreografía vanguardista de Nijinski, los acordes disonantes, la tonalidad diatónica y la complejidad rítmica de la obra desencadenaron fuertes protestas por parte del público.

                Al año siguiente, al estallar la I Guerra Mundial, Stravinski se trasladó a Suiza. Allí, en parte debido a que las precarias condiciones sociales y económicas no permitían la representación de proyectos mayores, compuso Historia del soldado, para 7 instrumentistas, 3 actores y una bailarina, donde se advierte su desilusión por los años de guerra y la influencia del jazz. La huella de este estilo musical también es evidente en Ragtime, para 11 instrumentos, y en Piano rag-music.

                 En 1920 se trasladó a París. De esta época datan sus célebres Sinfonías para instrumentos de viento, compuestas a la memoria de Claude Debussy, la ópera cómica Mavra y el ballet-cantata Les noces, un conjunto de escenas coreográficas con reminiscencias de la música tradicional rusa, interpretado por primera vez por los Ballets Rusos en 1923. En esta última obra, compuesta para 4 pianos, percusión y voz, se advierte una liberación de las tensiones del diálogo que posteriormente caracterizó el resto de su obra.

                 Durante su etapa en París, también trabajó como pianista y director para mantener a su familia. Así, empezó a componer obras que se ajustaban a su habilidad pianística, como el Concierto para piano e instrumentos de viento.

                  Hacia 1923 empezó a componer sus primeras obras neoclásicas, marcadas por un renovado interés por el estilo musical de los siglos XVII y XVIII. Estas obras también se caracterizan por un ideal de objetividad que en parte era una reacción contra el exceso emotivo de finales del romanticismo. Este ideal se refleja posteriormente en su Crónicas de mi vida, donde escribió: “La música no tiene, por naturaleza... poder para expresar nada” y opinaba que los intérpretes debían seguir con fidelidad las indicaciones del compositor sin complementarlas con sus propias ideas; esta posición estética tuvo un fuerte impacto en la música moderna. Algunas obras de este periodo son la ópera-oratorio Oedipus Rex, con texto en latín, versión de Jean Daniélou sobre un texto de Jean Cocteau inspirado en Sófocles, y el melodrama Perséfone, para recitantes, cantantes y orquesta, con texto de André Gide, inspirado en el mito griego, así como el ballet Apolo Musageta, entre otras obras escritas para el coreógrafo ruso George Balanchine.

            En 1939 dejó Europa para trasladarse a Hollywood. Allí se mantuvo gracias a diversos encargos, como Circus Polka, compuesta para ser bailada por elefantes de circo, Danzas concertantes, para orquesta, Escenas de ballet, para un musical de Broadway, la Sinfonía en tres movimientos, Misa y la ópera The Rake’s Progress, obra que puede ser calificada como la culminación de su periodo neoclásico.

En 1948, Stravinski entabló amistad con el joven director estadounidense Robert Craft, gran admirador del dodecafonismo. Craft le animó a escuchar la música de los serialistas, quienes trataban la melodía atonal como una serie de tonos sin relaciones armónicas o melódicas y cuyas técnicas se basaban en el sistema dodecafónico de Schönberg. Aunque Stravinski había rechazado anteriormente las teorías de Schönberg, se interesó por la música de su discípulo, el compositor austriaco Anton von Webern. Poco a poco Stravinski empezó a utilizar las técnicas seriales, integrándolas a su manera (como había hecho con todas las anteriores influencias musicales) en composiciones como la cantata Threni id Est Lamentationes Jeromiae Prophetae, Movimientos para piano y orquesta y su última gran composición, Requiem Canticles.

En 1967, con 85 años y con una salud débil, dirigió su última grabación. Falleció el 6 de abril de 1971 en Nueva York y fue enterrado en Venecia, cerca de la tumba de Diáguilev.
                Durante su vida, Stravinski experimentó con muy diversos estilos musicales, desde las melodías tradicionales rusas hasta el primitivismo, el jazz, el neoclasicismo, la bitonalidad, la atonalidad y el serialismo. Su gran habilidad como compositor residía, en parte, en su capacidad para seguir evolucionando y en hacer suyas las técnicas nuevas. Según sus palabras, “seguir un sólo camino es retroceder”. Las obras de Stravinski, por su originalidad, fuerza y racionalidad, reflejaron y a la vez influyeron en las corrientes más importantes de la música del siglo XX.

Características musicales del primitivismo

            El primitivismo busco más lo sencillo y lo claramente definido oponiéndose así al delicadeza y sutileza de los autores impresionistas. Los primitivistas tienden a continuar con rasgos de los nacionalistas rusos, como el uso de grandes orquestas, la profundización del trabajo con elementos folclóricos, y modos autóctonos en los giros melódicos y rítmicos. Las melodías primitivistas, teñidas de un carácter folklórico, giraban en torno a una nota central y se movían dentro de un estrecho ámbito. Las armonías basadas principalmente en acordes en bloque se movían en formación paralela dando un efecto percusivo e impulso hacia un centro tonal. Rítmicamente se utilizaba la repetición de obstinatos rítmicos y la poliritmia cambios de métrica. La orquestación era escarpada basada en sonoridades masivas.

Petrushka

            En petrushka se encuentran las siguientes características que podemos identificar como primitivistas. 

La melodía es muy definida lo que no quiere decir que siempre lleva el discurso generalmente es diatónica y no siempre tonal. Hay muchos cambios en la métrica y el elemento rítmico es muy importante dado que existe una polirrítmia (superposición de ritmos) no solo porque es un ballet sino porque es Stravinsky.

La consagración de la primavera

En la consagración de la primavera es muy importante la innovación en el factor tímbrico por ejemplo en el uso del Fagot del comienzo usado en un registro no habitual, El elemento rítmico y los contrastes de métricas estables e inestables, los contrastes también se dan en la orquestación y en el carácter. Usa melodías breves modales y diatónicas no siempre simétricas con fraseos no esperables trabajando con elementos folklóricos rusos. Hay muchos cambios en las texturas y permanentemente se generan sorpresas

La historia del soldado

Está compuesta por tres danzas extraídas de motivos folclóricos la primera es un tango, la segunda vals y la tercera un fox trot. Sigue siendo el elemento rítmico donde más juego usa Stravinsky. Utiliza una gran orquestación lo cual tiene que ver con la tendencia de continuar con los rasgos de los nacionalistas rusos. También hay variantes de texturas y orquestaciones, timbres y registros propios del primitivismo.

Béla Bartók

Nació el 25 de marzo de 1881 en Hungría. Estudió en Presburgo y en Budapest, donde enseñó piano en la Real Academia de Música y trabajó en la Academia de Ciencias. En 1940 Bartók emigró a Estados Unidos por razones políticas. Realizó investigaciones en la Universidad de Columbia y enseñó música en la ciudad de Nueva York, donde vivió con serias dificultades económicas. Murió de leucemia el 26 de septiembre de 1945 en Nueva York.

Bartók reconoció su deuda musical con el compositor húngaro Franz Liszt así como con el francés Claude Debussy, y en su poema sinfónico Kossuth Sz 21 muestra influencias del compositor alemán Richard Strauss. Hacia 1905 Bartók se dio cuenta de que lo que se consideraba música popular húngara era en realidad música gitana reordenada según los criterios centroeuropeos. Con ayuda de su amigo, el compositor húngaro Zoltán Kodály, Bartók reunió y analizó de forma sistemática músicas pertenecientes al folclore de su país y de otros orígenes que recogió en una admirable obra de investigación. De esta colaboración surgieron 12 volúmenes que contienen 2700 partituras de origen magiar, 3500 magiar-rumanas y varios cientos de origen turco y del norte de África (también el archivo Bartók incluye registros sonoros).

Sólo de forma ocasional Bartók incluyó directamente melodías folclóricas en sus composiciones, sino que desarrolló un estilo personal dotado de una gran fuerza y energía, con entornos melódicos inusuales y ritmos asimétricos y a contratiempo, propios de la música folclórica de los Balcanes y de Hungría. Su música siempre tiene un núcleo tonal, aunque éste está establecido de una manera personal, bastante alejada de los modelos tradicionales. Gran parte de su música es cromática, y a menudo muy contrapuntística, entretejiendo distintas líneas melódicas y sirviéndose de la disonancia. Le gustaba el uso de acordes por su sonoridad y era muy hábil para encontrar atmósferas y colores musicales, tanto en el piano como en la orquesta. Como gran pianista que fue, compuso varias piezas didácticas para el instrumento. Su obra Mikrokosmos Sz 107, formada por seis volúmenes, contiene 150 piezas para piano de dificultad progresiva y constituye un resumen de su evolución musical. Lo mismo ocurre con sus 6 cuartetos para cuerda, considerados entre los más importantes que se han compuesto desde los de Ludwig van Beethoven.

Entre otras obras de Bartók se encuentran sus ocho Danzas rumanas de Hungría, para piano, (también orquestadas y transcritas para varios instrumentos); el Allegro bárbaro, para piano; la ópera El castillo de Barbazul; los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso; los 3 conciertos para piano y orquesta; su Música para cuerda, percusión y celesta Sz 106 y el Concierto para orquesta que le encargó Serge Kusevitski. También son notables su Concierto para violín y orquesta nº 2 Sz 119, la Música para dos pianos y percusión y su Concierto para viola, que quedó incompleto a su muerte y fue terminado por el violinista Tibor Serly.

El Expresionismo

El Expresionismo puede considerarse como el último vestigio de un romanticismo moribundo en una era antirromántica. Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El artista expresionista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. En este sentido, el expresionismo es opuesto al impresionismo francés, puesto que mientras los impresionistas intentaban dejar registro de algo espontáneo y la impresión que causaba este hecho proveniente del mundo exterior, los autores expresionistas buscaban adentrarse en lo más profundo del alma y lograr la expresión auténtica de la misma, es decir, de lo que provenía del inconsciente.

Para lograr esto, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Pero esta comunicación, contradictoriamente, no es para todos: está dirigida solo a quien es capaz de comprenderla, debido a su gran complejidad y a que se comienza a romper en las artes fundamentalmente con lo que tradicionalmente se conocía por belleza, y se rechazan los arquetipos aceptados por la mayoría para ampliar los límites con el objeto de lograr la expresión mas certera del propio “yo”.

El ideal expresionista, puede ser visto como un romanticismo, en su romántica intención de dar voz a las emociones y al mundo interior, buscando los medios mas poderosos y directos de expresión. Se amplían las nociones al punto de generar un lenguaje que incluye melodías con saltos tremendamente extensos, obras que tienen una constante tensión que no cesa nunca, instrumentos usados en sus registros más extremos, etc. Pronto esta romántica búsqueda de la expresión más pura y certera del alma, llevó a agotar las posibilidades de lo que se aceptaba en ese momento como hermoso, y esto llevó a abrir nuevas concepciones de melodía, armonía, ritmo, etc. Se agotaron las posibilidades del sistema tonal, lo que llevo a rechazarlo.

Schöemberg consideraba que la tensión de la disonancia seguida de la relajación de la consonancia ya se había vuelto tan obvia, que no podía cumplir ninguna función a los fines artísticos. Los sonidos disonantes, para Schöemberg, lo son solo por que no pertenecen al sistema armónico que era aceptado, pero eso no significa que el oído no pueda comprenderlos. Son solo “consonancias lejanas”, que el oído instruido puede comprender.

Además, Schöemberg consideraba que la resolución de la disonancia no solo era obvia, si no que no condecía con la situación del momento, entre guerras y caos, y en la que la fe en la “resolución” de ese caos no se encontraba en el estado de ánimo de la época, por lo cual no condecía con el “final feliz” de la resolución tonal. Todo esto constituye un rechazo por el sistema tonal, y una búsqueda de nuevos caminos para la expresión que este sistema no podía dar. Pero rechazar la tonalidad, la cual era un fuerte elemento estructurador de las obras musicales, obligó a Shöemberg a limitarse a piezas breves, lo cual generó la necesidad de un sistema unificador.

Shöemberg desarrolló este método para dar coherencia y unidad a sus obras sin recurrir a los elementos que ya había rechazado.

Para cada obra se deben organizar los doce sonidos de la escala cromática en una serie, sin que se repita ninguno hasta que hallan aparecido todos los demás, con el objetivo de que no se jerarquice ninguno sobre otro. Esto genera que cada obra tenga una identidad que no se logra al utilizar las escalas, ya que las mismas terminan aprendiéndose de memoria, y el oído se familiariza con ellas al punto de que cada vez que suena una obra se reconoce la escala en que está.

Una vez desarrollada la serie, se la puede repetir, con sus doce sonidos en un mismo orden, o en inversión, o en movimiento retrógrado, o retrógrado invertido. Cada una de estas cuatro variaciones puede partir de cualquiera de los doce sonidos, lo que genera cuarenta y ocho posibilidades. Las notas pueden aparecer como melodías, una después de la otra, o verticalmente como acordes. En una melodía dodecafónica, las octavas se consideran intercambiables, lo que importa es la identidad del sonido, sin importar en que octava aparezca, lo cual produce enormes saltos y líneas melódicas zigzagueantes.

La música dodecafónica busca la máxima variedad, dentro de una rigurosa unidad.

En realidad, el sistema dodecafónico tiene de fondo una profunda contradicción: Hemos visto que nace desde una intención casi romántica de expresar libremente lo que hace al inconsciente, para evitar las barreras que los sistemas aceptados oponen al ideal expresionista, pero llega a un sistema absolutamente intelectual y arbitrario, estricto y calculado. Sin embargo, es seguro que sí se produce un gran desafió para el compositor que incursione en el dodecafonismo.

Alban Berg

Nació en Viena el 9 de febrero de 1885 y estudió desde los 19 años con el compositor austriaco Arnold Schönberg, creador del sistema antes mencionado. Berg utilizó el sistema dodecafónico de una forma muy libre, mezclándolo con formas y técnicas musicales de los siglos XVII, XVIII y XIX. Sus primeras obras, como los Altenberg Lieder para voz y orquesta, muestran la influencia de compositores románticos como Wagner y Mahler.

            La ópera Wozzeck, que sigue la obra de Georg Büchner, fue estrenada en 1925 y se considera un ejemplo indiscutible de la ópera expresionista. Como tal es un documento excepcional sobre la situación de Europa al finalizar la I Guerra Mundial. La música, que parte de formas musicales ya existentes, como la sinfonía, y de la invención, desenvuelve una estructura compleja que, en ocasiones, no manifiesta sus procedencias. La atonalidad característica de la música expresionista se ve reforzada con acordes y cadencias pensadas para provocar en el oyente la expectación que deriva de las progresiones armónicas tonales. La segunda ópera de Berg, Lulú, también posee el carácter expresionista de la primera y utiliza igualmente el sistema dodecafónico, manejado con una imaginación sorprendente; cada personaje posee su propia serie de tonos, a partir de los cuales deriva toda la música.

 Su última obra, el Concierto para violín a la memoria de un ángel, estrenado en Barcelona en 1936, al año siguiente de su muerte, la compuso en recuerdo de Manon Gropius, hija del arquitecto alemán Walter Gropius y de su mujer, Alma Mahler, viuda de Gustav Mahler. La serie de doce tonos en que se basa la obra incita al oyente a relacionarla con el sonido de la música tonal. Al final del concierto hay una referencia a la melodía coral que Johann Sebastian Bach utilizó en la cantata número sesenta. Murió en Viena el 24 de diciembre de 1935 de septicemia, sin conseguir completar el tercer acto de la ópera Lulú, que se estrenó en 1979 en París.

Berg y Webern, junto con el maestro de ambos, Schönberg, son considerados los componentes de la segunda escuela vienesa de música. La primera fue la constituida por Haydn, Mozart y Beethoven.

Anton von Webern

Nació el 3 de diciembre de 1883 en Viena, donde estudió con el eminente musicólogo austriaco Guido Adler también profesor de Schönberg y Wellesz, en la universidad de Viena. A partir de 1904 tuvo como profesor particular a Schönberg. Entre 1908 y 1934 estudió dirección en Praga, Viena y varias ciudades alemanas, enseñó composición en la academia musical fundada por Schönberg en Viena y dio a conocer a nuevos valores de su época. La revolución neofascista de 1934 truncó su carrera y tuvo que ganarse la vida con dificultad en trabajos como lector y corrector. En 1945 se trasladó a Salzburgo, donde debido a un error murió al disparar contra él un centinela norteamericano el 13 de septiembre de 1945.

Las primeras obras de Webern, como la Passacaglia para orquesta, son obras de gran cromatismo y riqueza de estilo postromántico. La música del periodo comprendido entre sus Seis piezas para orquesta y los Cinco cánones para soprano y dos clarinetes se caracteriza por texturas ligeras, conjuntos instrumentales pequeños y una construcción musical muy compacta. En su obra Drei geistliche Volkslieder empleó el sistema dodecafónico recién formulado por Schönberg. Sus obras posteriores siguen siendo notables por su extremada intensidad, brevedad, claridad y delicadeza y por sus unidades melódicas fraccionadas. Webern amplió el concepto de serialización dodecafónica a la serialización rítmica, dinámica y tonal. El empleo de colores tonales fluctuantes es especialmente llamativo en la orquestación que realizó en 1932 del ricercare de la Ofrenda musical de Johann Sebastian Bach. Entre las principales obras donde Webern empleó la dodecafonía cabe destacar la Sinfonía de cámara, las cantantas opus 29 y opus 31 y las Variaciones para orquesta. También editó la Choralis Constantinus II del compositor flamenco Heinrich Isaac, cuya maestría en el empleo del contrapunto admiraba profundamente Webern.

El periodo de los Neo

Luego de esta primera etapa de ruptura los parámetros de disonancia, melodía, ritmo, etc. no son los mismos, por lo que ser ”Neo” no significa ser o sonar igual que el periodo anterior. Este periodo posterior al silencio de la primera guerra es el Periodo de los neo.

El Neoclasicismo

El neoclasicismo surgió en la década del 20 como una búsqueda de los autores de captar nuevamente le espíritu del clasicismo en donde la música se encontraba libre de elementos extraños a ella usados para darle un sentido dramático. Al liberar la música de elementos extraños a ella comenzaron y al construirla con elementos derivados exclusivamente de la naturaleza del sonido esperaban lograr una vuelta total a la idea formal, única base de la música.

Los autores Neoclásicos intentaron rescatar ciertos principios permanentes del arte utilizados antes del periodo Romántico a la manera propia del siglo XX . El periodo neoclásico se identifica mucho más con la música de fines del siglo XVIII (barroco tardío) que con la música clásica propiamente dicha.

El autor principal de esta corriente fue Igor Stravinsky quien intento depurarla música de significados emocionales y concentrarse puramente en los sonidos al punto de expresar “ Creo que, por su misma naturaleza, la música es esencialmente impotente de para expresar nada...”

Uno de los logros principales de este periodo fue la resurrección de la formas absolutas. La sinfonía, el concierto , la sonata y la música de cámara adquirieron mayor importancia que en las primeras décadas del siglo XX .

Melódicamente el neoclasicismo utilizo una melodía instrumental de intervalos amplios y registro extenso.   Armónicamente se basa en las siete notas de la escala diatónica. También utiliza la expresión panadiatonismo para indicar la nueva libertad con la que se combinan armónica y contrapuntisticamente las siete notas. El panadiatonismo prefería un moderado uso de las alteraciones y mostraba una llamativa afinidad por la tonalidad de do mayor. En cuanto a la textura el estilo neoclásico utilizo un ágil contrapunto disonante marcado por su claridad.

Los principales exponentes del neoclasicismo fueron Igor Stravinsky, Béla Bartók y Paul Hindemith. 

El Neonacionalismo

El neonacionalismo dio un giro diferente con respecto al nacionalismo del siglo XIX.

Los neonacionalistas tuvieron especial cuidado en no violar la esencia de las melodías folklóricas haciendo un trabajo de investigación y llevando equipos de grabación para poder captar el espíritu de las obras y plasmarlo. En lugar de parafrasear total o parcialmente obras populares.

Debemos establecer aquí una diferencia entre compositor nacionalista quien busca resaltar deliberada mente las características nacionales de su obra y compositor nacional que tiente incorporadas estas características y puede plasmarlas en sus obras sin hacer un esfuerzo especial.

Los exponentes más importantes del neonacionalismo fueron Manuel de Falla, Ernest Bloch, Zoltán Kodály, Georges Ernesco.

Entre los autores neonoacionalistas americanos podemos destacar a los norteamericanos Charles Ives, Douglas Moore, Roy Harris, RanDall Thompson, Aaron Copland; al brasileño Heitor Villa Lobos y al mejicano Carlos Chavez.

El Neorromanticismo

El neorromanticismo atrajo a compositores de carácter conservador que se oponían a romper totalmente con el pasado y con la tradición del siglo XIX. Estos compositores intentaron conservar la herencia del pasado y adaptarla a las necesidades actuales. A su vez atrajo a músicos que luego de experimentar y negar la tradición se reconciliaron con la herencia que habían rechazado. En este periodo recobra mucha importancia la música programática.

Los eventos políticos y económicos ocurridos en el segundo cuarto de siglo y la segunda guerra mundial fueron eventos traumáticos que impulsaron a los compositores a componer música de expresión intensamente emocional

En el neorromanticismo surgieron las innovaciones de principios de siglo que le agregaron elementos convirtiendo esta tendencia en una rama de la música contemporánea con diversos temperamentos y puntos de vista.

Carl Orff es el compositor más conocido de este período y autor de un método didáctico muy reconocido e importante en la educación musical para aficionados y principiantes. 

La música de Orff parte de una melodía y armonía sencillas y un ritmo vigoroso. su ausencia de contrapunto y de tratamiento temático le dan una sencillez casi primitivas pero una gran dinámica que surge también del despojar sus obras de una complejidad intelectual en los temas que son cuentos o leyendas de la literatura antigua medieval.-

William Walton escribió relativamente pocas obras y no es muy conocido lejos de su tierra natal es muy apreciado como compositor fílmico.

Su estilo se caracteriza por un lirismo sensual y encanto sentimental en sus melodías. Su música es tonal y tiene algunas disonancias. Su discurso armónico se basa en el libre uso de lo doce tonos en torno a un centro. Rítmicamente se ve influenciado por Stravinsky y por el Jazz de lo que extrae sincopas, cambio de compás y efectos rítmicos.

Oliver Messiaen, de naturaleza puramente religiosa puso su música al servicio de la religión.

Su música refleja un elemento medieval y elementos del Canto Gregoriano y los modos antiguos. Intenta introducir en su música sutilezas ritmicas del lejano Oriente en particular los ritmos asimétricos de la música hindú. Su armonización es altamente polifónica y a menudo utiliza pedal. Se sintió atraido por instrumentos nuevos. La percusión es sumamente nutrida y ejecuta contrapuntos ritmicos.

La Nueva Etapa De Ruptura

En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruidos y cajas de música electrónicas. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos musicales electrónicos comerciales.

Música electrónica es la música creada por medios electrónicos. Estos medios permiten al compositor vencer las limitaciones de los instrumentos convencionales en cuanto al rango de frecuencia, además lo liberan de los niveles dinámicos y valores de tiempo tradicionales. Esta corriente intenta controlar todo el discurso, todo lo que suena. Esto tiene que ver con que se esta saliendo de una guerra, un caos y se tiende a controlar auque sea la propia producción cultural. El uso de los sintetizadores permite tener ese control total sobre el sonido. Una característica muy importante de la música electrónica, es que no hay (por lo general) intérpretes, por que la música se graba y muchas veces no se escribe.

            Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música electrónica en vivo (creada en tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos).

            La música concreta es creada a partir de sonidos extramusicales grabados de la naturaleza y luego modificados. Por lo tanto en la música concreta se aplican recursos electrónicos a sonidos de origen no electrónicos.

Si bien estos tipos de música se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras.          

Serialismo integral

El concepto de serie aplicado por Schöemberg únicamente a las alturas se extiende en los alemanes para incluir series determinadas de tonos, ritmos, colores tonales y otros elementos

Serialismo aplicado a todos los parámetros musicales: dinámica, ritmo, timbre y tono. El resultado es un control total sobre los elemento de la composición o en otras palabras una serialización total.

Karlheinz Stockhausen

Nació en Mödrath, cerca de Colonia (Alemania) y estudió con el compositor suizo Frank Martin y los compositores franceses Olivier Messiaen y Darius Milhaud. Stockhausen estudió electroacústica, fonética y teoría de la información en la Universidad de Bonn. En 1953 participó en la fundación del Estudio de música electrónica de la radio alemana en Colonia. Trabajó como profesor, director de orquesta e intérprete de sus propias obras. En la mayor parte de sus primeros trabajos emplea el Serialismo integral de todos los parámetros sonoros, pero a partir de la década de 1950 experimentó con la indeterminación (uso del azar y la improvisación) y la libertad del intérprete para decidir su propio ritmo y tempo. En su obra Gesang der Jünglinge se proyecta la voz de un joven mezclada con sonidos electrónicos a través de cinco altavoces independientes. En Gruppen, obra para tres orquestas, su idea era unir a solistas y grupos de intérpretes para crear un espectro sonoro nuevo. Otras de sus obras son Zyklus para batería; la composición multimedia Beethausen, opus 1970; von Stockhoven y obras para orquesta de cámara como Ylem y Tierkreis. Por el contrario Sternklage (Lamento de las estrellas) es una obra monumental para cinco grupos concebida para ser interpretada al aire libre y en el transcurso de la cual se van declamando los nombres de las constelaciones.

Muchas de las obras de Stockhausen tienen un profundo clima meditativo como Mantra para dos pianos y Stimmung para seis voces, obra de 70 minutos de duración en la que se exploran las diferentes sonoridades de un acorde. La gran profusión de ideas procedentes de fuentes espirituales y literarias que inspiran sus monumentales obras junto con su enorme personalidad, le proporcionaron a Stockhausen en la década de los sesenta una afición entusiasta que superaba en mucho el número relativamente pequeño de aficionados a la música contemporánea de aquella época. A partir de mediados de los setenta su fama empezó a decaer. En 1977 empezó su más ambicioso proyecto, Luz, un ciclo de 7 óperas para ser interpretado en siete días consecutivos, basado en el mito de la creación y donde utiliza las figuras de Eva, Lucifer y el arcángel san Miguel, que tiene previsto acabar en el año 2002.

Pierre Boulez

Nació en Montbrison y se graduó en 1945 en el Conservatorio de París. Su principal maestro fue el compositor francés Olivier Messiaen. En 1948 fue nombrado director musical de la compañía Renaud-Barrault en el Théâtre Marigny. A finales de la década de 1940 y durante la de 1950 compuso numerosas obras experimentales basadas en el sistema dodecafónico que tuvieron gran aceptación por parte de la crítica. Se convirtió en uno de los compositores más influyentes en el uso del serialismo integral.

A finales de la década de 1960 ganó prestigio como director invitado de la Orquesta de Cleveland. Entre 1971 y 1975 fue director orquestal de la British Broadcasting Corporation Symphony Orchestra, cargo que simultaneaba con el de director musical de la Orquesta Sinfónica de Nueva York . En 1976 fundó el prestigioso grupo francés Ensemble InterContemporain. Su trabajo como director se ha centrado principalmente en su propia música y en la de sus contemporáneos, aunque también ha dirigido obras del repertorio tradicional, en especial de Stravinski y Debussy. En 1976 dirigió la producción conmemorativa del centenario del ciclo operístico El anillo del nibelungo, de Wagner, en Bayreuth. En 1995 fue nombrado director invitado de la Orquesta Sinfónica de Chicago.

En 1974 fundó el Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique, institución que dirigió hasta 1991. Ubicado en el Centro Pompidou de París, es uno de los estudios de música electrónica más importantes del mundo. Boulez ha utilizado los medios electrónicos en el tratamiento de sonidos en vivo de forma esporádica. Comenzó con Explosante-Fixe en 1972. En 1994 dio a conocer una nueva versión de este trabajo, en la que destacó otro aspecto de su método: la continua revisión de sus trabajos anteriores, agrupados en un catálogo de obras en progreso. Entre ellas están Répons, que comenzó en 1981, y Éclat, de 1964. En 1978 emprendió la tarea de orquestar Notations (conjunto de 12 piezas para piano que data de 1946), trabajo que finalizó en 1980 reduciendo a 4 las 12 piezas iniciales. Durante la década de 1980 compuso diversas obras, entre las que destacan Dialogue de l’ombre double, Antiphonies y Répons, para conjunto instrumental, solistas y dispositivo electrónico, síntesis de varios años de investigación.

Entre sus obras se cuentan también 3 sonatas para piano, un ciclo de canciones orquestales titulado Pli selon pli, con arreglo de Stéphane Mallarmé, y Domaines, para clarinete y 21 instrumentos. También ha escrito crítica musical.

Minimalismo y música austera

Trata la reivindicación, conocimiento y reconocimiento de música etno. Se trabajan repeticiones con cambios, siempre algún elemento varia en las repeticiones permanentes. Probablemente el final no tiene nada que ver col el principio en cada obra, la variación siempre es paulatina a lo largo de cada una. El formato de las frases es siempre igual, y es fundamentalmente acústico.

Se juega con superposiciones de frases de distintas duraciones, no es tonal ni direccional, melódica ni armónicamente. Tiene una sonoridad sencilla, totalmente diatónica. La complejidad de las obras está en la estructura. En general las obras comienzan con un unísono para después desarmarse por las distintas duraciones de las frases simultáneas.

Música Austera:

Es una corriente latinoamericana. Esta corriente se basa en la utilización de la menor cantidad de elementos posibles, logrando un discurso coherente y solvente, lo cual genera un gran desafío para el compositor. También trabaja la idea de repetición. Hay un pulso regular, y muy pocas alturas, a lo sumo 2,3, ó 4. Hace pausas, dando al silencio mucha importancia como un elemento estructurador. Hace variaciones en las posibilidades tímbricas de un mismo instrumento.